Information

Baldassare Castiglione av Raphael



Detta stycke porträttkonst, en av de mest kända av högrenässansen, skildrar Baldassarre Castiglione, en litterär konstnär och tänkare som var aktiv vid hovet i Urbino under början av 1500 -talet. Ett mästerverk av högrenässansmålning, det målades på toppen av Raphaels berömmelse och måste därför antas vara ett samarbete mellan befälhavaren och hans assistenter, såsom Giovanni Francesco Penni (1496-1536), Giulio Romano (1499-1546) ) och Perino del Vaga (1501-47). Som sagt, flera bildelement - inklusive den underklädda elegansen i klänningen, den skuggade tonaliteten i tyget, den ljusa bakgrunden, liksom den intelligenta men enkla närvaron av sitter, pekar tydligt på Raphaels hand. Nyligen visad på High Museum of Art i Atlanta, Georgia, är målningen nu återigen på sitt permanenta hem på Louvren i Paris. Det är fortfarande en av Raphaels största porträttmålningar och ett underbart exemplar av renässansen i Rom under 1500 -talets andra decennium. Den store flamländska barockmålaren Rubens (1577-1640) beundrade den så mycket att han gjorde en kopia av den.

Baldassare Castiglione (1478 �), en framstående humanist och författare, var en av armaturerna i den italienska renässansen. Hans bästsäljande bok Hofmannen (& quotIl cortegiano & quot), som förkroppsligade många av synpunkterna på Rinascimento, ger viktig inblick i de kulturella idéerna vid Urbino -domstolen, i början av 1400-/1500 -talet. Raphael, som var från samma högodlade Urbino -set, var vän till Castiglione, delade liknande estetik och skulle ha varit mycket bekant med Hofmannen. Faktum är att hans porträtt av sin vän exakt illustrerade den idealiska renässans hovmästaren som beskrivs i boken. Det exakta datumet för arbetet är inte känt, men det målades troligen i Rom mellan 1514 och 1515, med anledning av Castigliones utnämning till Urbinos ambassadör i Vatikanen.

Baldassare Castiglione skildras från midjan och upp i en trekvarts profil, med vikta händer och blicken riktad mot artisten. Armarnas position indikerar att han sitter i en fåtölj, och hans övergripande pose - tillsammans med den mjuka luminescensen som omsluter duken - kan ses som en diskret hyllning till Leonardos Mona Lisa. Det råder ingen tvekan om att Raphael skulle ha sett målningen när Leonardo da Vinci var i Rom före hans avresa till Frankrike, även om stämningen i Castiglione -porträttet är en helt annan än den för La Giocondo. Baldassare själv slogs både av den otroliga realismen och naturalismen i Raphaels målning och den mänskliga närvaro den överförde.

Raphael förde det klassiska triangulära arrangemanget till sin kulmen i sina jungfru- och barnporträtt - se till exempel The Sixtine Madonna (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresden). Däremot hans Porträtt av Baldassare Castiglione består av cirkulära former, och sitterens ansikte och kropp är tydligt åtskilda från den nästan monokroma bakgrunden. Han är klädd i en dräkt av elegant men osmyckad lyx. Hans hår hålls i en turban eller chaperon, sedan täckt av en svart basker som är utsmyckad med en medaljong. Dessutom har han på sig en enkel vit blus under en dublett av grå ekorrpäls med svart band. (Pälsen indikerar att motivet troligtvis målades under vintern 1514 �.) Den diskreta enkelheten och harmonin i Castigliones dräkt, fångad uteslutande i nyanser av grått, vitt och svart, sträcker sig in i målningen, som består av en ljus och varm gråbeige ton, dämpad i mjukt ljus. Kompositionen är avsiktligt avskuren vid händerna, vilket fokuserar uppmärksamheten på ansiktet och den intensiva blicken.

Tillsammans med Leonardo da Vinci och Michelangelo är Raphael bland de tre högrenässansartisterna. Dessutom betraktas han av de flesta konsthistoriker som en av de bästa konstnärerna genom tiderna. Han är förmodligen mest känd för sin storskaliga altartavla - som The Sixtine Madonna (1513-14) och Transfigurationen (1518-20, Pinacoteca Apostolica, Vatikanen) - och hans dekoration av Raphael -rummen i Vatikanens påvliga lägenheter. Det senare inkluderar sådana hyllade renässansmålningar som La Disputa (Disputen om det välsignade sakramentet) (1509-11, Stanza della Segnatura) och Skolan i Aten (1509-11, Stanza della Segnatura).

Andra porträtt av Raphael

Porträtt av en man (c.1502) Galleria Borghese, Rom
Elisabetta Gonzaga (c.1503) Uffizi, Florens
Pietro Bembo (c.1504) Szepmuveszeti M & uacutezeum, Budapest
Porträtt av en man (1502-4) Liechtenstein Museum, Wien
Ung man med ett äpple (1505) Uffizi
Porträtt av en kvinna (La Donna Gravida) (1505-6) Palazzo Pitti, Florens
Dam med en enhörning (c. 1505) Galleria Borghese, Rom
Agnolo Doni (1506) Palazzo Pitti
Maddalena Doni (1506) Palazzo Pitti
Guidobaldo da Montefeltro (c.1507) Uffizi
Porträtt av en kardinal (1510-11) Museo del Prado, Madrid
Porträtt av en ungdom (c.1509-11) Czartoryski-museet, Krakow
Påven Julius II (1511-12) National Gallery, London
Bindo Altoviti (1512-15) National Gallery of Art, Washington DC
Påven Leo X med kardinaler (1518) Pitti Palace, Florens
Porträtt av en ung man (c.1515) Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
Kvinna med slöja (La Donna Velata) (1516) Palazzo Pitti
Porträtt av kardinal Bibbiena (c.1516) Palazzo Pitti

• För mer information om högrenässansporträtt, se vårt huvudindex: Hemsida.


Porträttet avbildar Raphaels vän, Baldassare Castiglione, som var diplomat och humanist och betraktade som ett typiskt gentlemannsexempel från högrenässans. Målningen designades som ett resultat av vänskapen mellan Raphael och Castiglione, vars uppgång i uppvaktande kretsar matchade konstnärens. År 1504 var de nära vänner, detta var när Castiglione gjorde sitt andra besök i Urbino, precis som Raphael fick erkännande som en respekterad konstnär i stadens humanistiska krets.

Guidobaldo da Montefeltro gav Raphael i uppdrag att måla ett porträtt för Henry VII 1505. Castiglione åkte till England och presenterade den färdiga bilden för kungen. Det är möjligt att Castiglione senare fungerade som den vetenskapliga rådgivaren för The School of Athens av Raphael, och att Zoroaster -skildringen i den fresken kan vara hovmanens porträtt.

I målningen ses Castiglione sittande mot den jordfärgade bakgrunden, och han bär en mörk dublett som har en ekorrpäls och svart band. På Castigliones huvud finns också en turban som är täckt av en hackad bere. Denna klädsel indikerar att bilden gjordes under vintern, troligen den från 1514 till 1515, då Castiglione hade åkt till Rom genom Guidobaldo da Montefeltro utnämning till påven Leo X, född Giovanni di Lorenzo de 'Medic. De ljusaste områdena i målningen är motivets ansikte som setts nästan direkt, en vit skjorta böljande fram vid bröstet plus hans två vikta händer, som i huvudsak är beskurna vid dukens nedre kant. Castiglione uppfattas som sårbar och besitter Raphaels senare porträtt humana känslighetskarakteristik. De mjuka konturerna i Castigliones klädsel och avrundade skägg visar subtiliteten i ämnets personlighet.

Målningen kan ha haft ett intimt och praktiskt syfte. Castiglione lämnade sin underbara familj bakom sig när han hade åkt till Rom, han skrev en dikt där han föreställde sig att hans son och hustru tröstade sig med målningen under hans frånvaro. Bildens komposition är pyramidal. Det är en av de enda två målningarna av Raphael på duk, och innan den ansågs vara ursprungligen tillverkad på en träpanel, sedan överförd till duk. Kopiorna som producerades under sjuttonhundratalet visar Castiglione -händerna i sin helhet, vilket tyder på att målningen sedan skars nedåt med flera tum längst ner (senare bestämde forskarna att den inte var skuren).

Elegansen i utförandet i målningen överensstämmer med motivets inställning. Lawrence Gowing, en konsthistoriker, anmärkte på den kontraintuitiva hanteringen av den grå sammet i motsats till en akademisk formmodellering, med de breda ytorna täckta av rikt mörker plus tyget som lyser starkt när det vänder sig bort från ljuset. Gowing uppgav att målningen har delikatessen av barock observation och den ädla konturen och stillheten i den klassiska bilden på sin topp.

Målningens atmosfäriska kvalitet och sammansättning föreslår ett erkännande av Mona Lisa -målningen, som Raphael såg i Rom. Även om porträttet av Castiglione överskrider frågor om påverkan, skrev en amerikansk konsthistoriker vid namn James Beck att den här målningen står som ett slutligt svar för enstaka manliga porträtt som är inom renässansstilen.


Porträtt av Baldassare Castiglione - av Raphael

Porträttets ämne är Baldassare Castiglione (1478-1529), poet, humanist och ambassadör, som Raphael först träffade som ung i Urbino. Porträttet, som ursprungligen målades på en träpanel, överfördes till duk och klipptes troligen ner några centimeter vid basen, att döma av exemplar från 1600-talet där den berömda författarens händer visades fullt ut. Castiglione's Book of the Courtier, färdig 1516 men publicerad ett decennium senare, ägnas åt liv och manér vid Urbino Raphaels hov nämns i den mer än en gång. Förvisso avslöjar Castigliones lista över stora målare att han observerar: "Tänk på att i målningen Leonardo da Vinci är Mantcgna, Raphael, Michelangelo och Giorgio da Castelfranco [Giorgione] mest utmärkta" och tillägger uppfattningsvis "och ändå är de alla till skillnad från varandra i sitt arbete. " Eftersom Baldassare själv på många sätt är en perfekt modell av en högrenässansförfattare och herre, så är Raphaels porträtt av honom lika exemplariskt för högrenässansporträtt.

Castiglione visas i trekvartsprofil från midjan och uppåt, sittande i en fåtölj som bara föreslås nere till höger, med händerna vikta och hans blick riktad mot betraktaren denna hållning, liksom den mjuka luminescensen som omsluter porträttet, är en subtil hyllning till Mona Lisa. Det är säkert att Raphael såg målningen under Leonardos vistelse i Rom innan den senare reste till Frankrike. Men respektive atmosfär för de två verken, och utan tvekan ambitionerna för männen som målade dem, är markant olika. Med hänvisning till detta porträtt i en latinsk elegi tillägnad sin fru, nämnde Castiglione själv den otroliga likheten och känslan av mänsklig närvaro som den avger. Framför allt är det naturligheten - omedelbarhet, frihet och uttrycksfull livskraft - som gör detta livliknande porträtt så utomordentligt modernt.


Facebook

Detta porträtt visar den rika herren från Mantua, klädd med en underskattad prakt. Ändå finns det också en viss patos i hans pose hans milda blick riktas mot målaren, som var hans goda vän.

Utställd på Louvren, Paris.

Tudoråldern

Anne Askew dök upp i London 's Guildhall, där hon ställdes för kätteri, tillsammans med Nicholas Shaxton, Nicholas White och John Hadlam (Adlams eller Adams). Hon dömdes till döden genom att bränna på bålet.

Krönikören Charles Wriothesley noterade domen:
”Den åttonde tionde dagen i juni 1546 ställdes inför Guilde Certaine Hall, för herese doktor Nicholas Shaxston, sometyme bishop of Arraigned for Salisburie Nicholas White, of London, gentleman Anne Kerne [Kyme], alias Anne Askewe, mildwoman, och wiffe av Thomas Kerne [Kyme], gentleman, från Lyncolneshire och John Hadlam, från Essex, taylor och blev denna daie först angiven av kätteri och efter att ha påstått detsamma, och deras erkände sina kätterier mot alterets sakrament utan någon prövning av en jurie, och så hade dom att brent [brännas]. ”

Bild
Emma Stansfield som Anne Askew i Showtime's The Tudors.

Tudoråldern

Kung Henry VIII förklarades till kung av Irland. Denna händelse signalerade början på en period av grundläggande förändringar, eftersom engelska engagemang i det nya riket ökade dramatiskt i ett försök att vinna dominans över hela Irland.
Tidigare år hade engelska monarker kallat sig herrar i Irland och betraktade landet ibland som laglöst den engelska regeringen skulle skicka en Lord Lieutenant eller Lord Deputy för att införa någon form av central kontroll - detta fungerade aldrig bra och ökade spänningen mellan Irländska och engelska.

Bild
Porträtt av kung Henry VIII av Hans Holbein.

Tudoråldern

Brev från drottning Elizabeth I till John Erskine, Earl of Mar (Regent of Scotland)
7 september 1572.
Den är signerad med autografabonnemanget ‘Your loving Cousin Elizabeth R’.

Att vara väldigt otrevlig att troblerna i det riket som började bli summa och för att växa till en ömsesidig ädelhet kan komma till ett slut och fullständig lugn och ändå förstå att avhållandet inte hålls enligt avtalet utan i dykare respekterade brott, och ändå att båda parterna nöjer sig med att hänvisa skillnaderna mellan er till domen av oss och om vår gode bror den franske kungen: Vi har tänkt bra i stället för Sir William Drury kniyght marshall of our towne of Barwyke. för att skicka till dig denna bärare, vår pålitliga tjänare Henry Killigrew, be om det för att göra alla goda kontor med monsieur du Croc och våra goda bröder ambassadör. för att tysta alla debatter och göra ett fullständigt och perfekt överenskommelse bland dig med bekräftelsen av vår bror och kusin du är yong kung och rikets fördel. '


Raffaello Sanzio: Porträtt och andra verk i Rom

Raphael, felaktigt imiterad, har varit ursäkten för hela det vulgära och akademiska historistiska måleriet som utvecklades senare. Därför, när reaktionen mot 1800-talets mediterade, proportionella och intellektuella konst inträffade, gjordes den revolutionen i pre-rapaelismens namn, det vill säga genom att motstå målarna före Raphael, särskilt Botticelli och Fra Angelico, mot akademikern. skola. Men Raphael var oskyldig för allt större delen av dåliga målningar som gjordes i imitation av freskerna i “Raphael -rummen#8220, särskilt i Frankrike.

Men förutom hans stora minnesmålningar finns det en annan aspekt av Raphaels verk som ensam skulle göra honom till en suverän målare: hans porträtt. De bildar ett galleri av människor som är speciella för hans samtida Italien (och särskilt Rom), oöverträffad i sin plastiska precision och psykologiska utvärdering. Många var inte beställda porträtt: de var Raphaels sanna personliga skapelser, som glädde sig åt att föreviga karaktärerna hos hans vänner och beskyddare. I karaktärernas position och i den plastiska och kromatiska betydelse som Raphael gav detaljerna i deras kläder, fastställde han vissa principer som accepterades fullt ut av alla de stora venetianska porträttisterna som skulle komma senare.

Porträtt av en okänd ungdom, gråsvart krita, höjd med vit kroppsfärg på vitt papper, av Raphael, ca. 1499, 381 x 261 mm (Ashmolean Museum, Oxford). Denna ritning har också hänvisats från några konstvetare till ett självporträtt av den då unga konstnären. Självporträtt, olja på trä, av Raphael, 1504-1506, 47 x 35 cm (Galleria degli Uffizi, Florens). Detta självporträtt liknar det som Raphael målade i Aten-skolan i Stanza della Segnatura mellan 1509 och 1511 i båda självporträtten skildrar Raphael sig själv med ett identiskt uttryck och drag. Hans frisyr och klippning är de som är typiska för renässansens hovsida och hans mörka keps, i stilen som senare kallas ”raffaella“, är ​​av det slag som används av målare, liksom hans mörka mantel, från vilken en vit skjorta knappt syns under. Kort sagt, han bär sin enkla arbetsdräkt, en avsiktlig anspelning på sin handel, som han stolt utropar här på detta sätt. The Lady with the Unicorn, olja på träpanel överförd till duk, av Raphael, ca. 1505-1506, 65 x 51 cm (Galleria Borghese, Rom). Vaktmästarens identitet är inte känd. Detta porträtt är från Raphaels tid i Florens. Den välkomponerade figuren skiljer sig från en vidsträckt landskapsbakgrund, inspirerad av Leonardo men utförd med den tydlighet som är typisk för Raphael. Målningens allmänna sammansättning, som placerar figuren i en loggia som vetter ut mot ett landskap och trekvartsformatet, var tydligen inspirerad av Mona Lisa. Enhörningen sågs traditionellt som en symbol för kyskhet i medeltida romantik.

Ett av Raphaels äldsta porträtt är det mystiska Lady with the Unicorn, i Borghese-galleriet i Rom, kanske målat 1505-1506, ett fascinerande porträtt eftersom hennes undvikande, så feminin hemligt, att det påminner om Mona Lisas. Från ungefär samma tid eller lite senare var porträttet av Agnolo Doni, i Palazzo Pitti i Florens, känd för sitt fantastiska dragförtroende och för den överdådiga uppfattningen av färgpaletten. De Porträtt av en kardinal, från Prado-museet, måste vara från omkring 1510-1511, med sin otroliga men imponerande enkelhet en enkelhet genom vilken det formella uttrycket förvandlas till en aristokratisk andlighet, något tvetydig. Från ca. 1510-1514 är två kända porträtt där Raphael inledde en djup utforskning av den mänskliga anden: Tommaso Inghirami, från Palazzo Pitti, vars uppenbara ögonfel behandlas av Raphael halvvägs mellan drama och hänsynslös karikatyr, och Greve Baldassare Castiglione, av Louvren, Raphaels vän och författare till ett berömt verk, “ The Courtier ”, med vilken en hel generation renässansprinsar och intellektuella utbildades. I detta porträtt avslöjar Raphael karaktärens ideal genom att analysera hans ansikte, estetiska och andliga perfektion baserat på harmonin mellan känslighet och säker frivillighet. Slutligen målades året före hans död, porträttet av La Fornarina, Raphaels älskare identifierades som Margherita Luti, dotter till en bagare från Rom. Denna nakna tjej, som flörtar genom att visa sig genom en genomskinlig slöja, fångas med en så fantastisk känsla av den tredje dimensionen att den får oss att nästan känna hennes hud som Rafael har satt sitt prägel på: armbandet som omsluter hans vänstra arm inskriptionen Raphael Urbinas. Andra Raphaels berömda porträtt visas på bilderna nedan med en motsvarande kort kommentar.

Porträtt av Agnolo och Maddalena Doni, olja på panel, av Raphael, 1504-1507, 63 x 45 cm (vardera) (Palazzo Pitti, Florens). Den vänstra målningen visar Agnolo Doni (1474-1539), en rik tyghandlare och framstående figur bland den florentinska överklassen, och den högra panelen representerar hans fru, adelskvinnan Maddalena Strozzi (1489-1540), som han gifte sig med den 31 januari 1504. Enligt Vasari beställdes verken till Raphael av Agnolo som också beställde den heliga familjens runda målning, känd som Tondo Doni, till Michelangelo. Båda porträtten målades en hänge och bildade ursprungligen en diptyk, som hölls ihop av gångjärn som gjorde det möjligt att titta på scenerna målade på baksidan. Porträttens sammansättning liknar också Mona Lisa: figurerna presenteras på samma sätt med avseende på bildplanet, och deras händer, precis som Mona Lisa, placeras ovanpå varandra. Men landskapsbakgrundens låga horisont tillåter en noggrann bedömning av människofiguren. Detta förhållande mellan landskap och figur utgör en tydlig kontrast till Leonardos slående inställningar, som kommunicerade den hotande närvaron av naturen. Den mest anmärkningsvärda egenskapen som skiljer dessa porträtt från Leonardos är den övergripande känslan av lugn som inte ens den nära uppmärksamheten på materialet i kläder och juveler (som uppmärksammar parets rikedom) inte kan dämpas.

Porträtt av en kardinal, olja på trä, av Raphael, 1510-1511, 79 x 61 cm (Museo del Prado, Madrid). Den röda kappan och hatten identifierar sittaren som en kardinal, men hans identitet har varit okänd. Det kan vara kardinal Francesco Alidosi. Posen är identisk med porträtten av Agnolo och Maddalena Doni (se bilden innan): figuren vrids ut tre fjärdedelar och armen närmast betraktaren definierar den nedre gränsen för bildutrymmet. Cardinal ’s högra öga är särskilt slående i sin tredimensionella modellering och sitt tydliga uttryck. Ögonbollens konvexa form är tydligt definierad i dess sockel, ögonlocket kommer ner i en liten vinkel över den fuktigt glänsande pupillen. Barnvaktens blick är så direkt att det är svårt att möta den. Denna okända siffra var förmodligen en av de viktiga personerna på påven, för hans porträtt (med samma genomträngande blick) finns på vänster sida av Disputa i Stanza della Segnatura. Porträtt av Tommaso Inghirami, olja på trä, av Raphael, 1510-1514, 90 x 63 cm (Palazzo Pitti, Florens). Detta porträtt visar den framstående bokstavsmannen och bibliotekarien av påven Leo X med ett absorberat uttryck i skrivandet. Det antas att Inghirami arbetade med Raphael på programmet för Stanza della Segnatura. Porträttet är ett exceptionellt verk för sin fullhet av syn och livfulla färger, utan att vara överdrivet grandios eller dramatisk. Det finns två nuvarande versioner: en i Boston och den andra i Palazzo Pitti. Inghiramis korsade ögon, en fysisk defekt som konstnären inte utelämnar, får en diskret ton som nästan löser sig i figurens inspirerade pose. Utan att idealisera, men också utan att falla in i obehaglig naturalism, upprätthåller Raphael en harmonisk jämvikt mellan realism och värdigt firande, en primär egenskap hos porträttmålning. Porträtt av påven Julius II, olja på trä, av Raphael, 1511-1512, 108 x 80,7 cm (National Gallery, London). Påven Julius II gav denna målning till kyrkan i Santa Maria del Popolo, där det efter hans död visades upp på viktiga högtidsdagar. Målningen visar påven sittande med tiara på huvudet, klädd i ett vitt överskott och en lila mantel. Här återkommer den enkla men effektiva tonkontrasten, som först användes av Raphael i Porträtt av en kardinal (se bilden innan). Påven, även om den är gammal, verkar fortfarande mycket kraftfull och Della Rovere -energin är tydligt synlig i handen som tar tag i stolens högra arm med styrka och stolthet. De två ekollonformade knopparna på baksidan av stolen återkallar påvens vapen. Mönstret av påvnycklar och diadem bara synliga i bakgrundens gröna gardin målades ursprungligen guld för att simulera broderi, men Raphael ändrade sig. En kolerisk och aktiv man, mycket kritiserad under sitt turbulenta pontifikat för att personligen leda sina trupper i ansträngande militära kampanjer, skildras Julius II här av Raphael som omedelbart kraftfull (vänster hand), aristokratisk (höger hand) och meditativ. Porträttet är på alla sätt värd en beskyddare som är unik i konsthistorien, en påve som är kräsen och har turen att ha tjänats av tre av de högsta renässansens största konstnärer: arkitekten Bramante, Michelangelo och Raphael.

Raphaels verksamhet som arkitekt har vanligtvis förbises, även om han under en kort tid var en av de viktigaste arkitekterna i Rom som arbetade för en liten cirkel runt påvedömet. Faktiskt 1514, efter Bramante ’s död, utsågs Raphael till chefsarkitekt för arkitektverken i den nya Peterskyrkan. Även om det mesta av detta arbete ändrades eller revs efter hans död och efterföljande godkännande av Michelangelos design, är det få teckningar som hans arkitektoniska projektioner har överlevt. Men Raphael ritade också flera andra byggnader för privata kunder. För att nämna några: Palazzo Branconio dell ’Aquila för Leo ’s påvliga kammarherre Giovanni Battista Branconio (senare revs för att ge plats för Bernini ’s St. Peter ’s Square) design och mosaikdekoration av Chigi -kapellet för Agostino Chigi, påvens kassör Palazzo Jacopo da Brescia för påven Leo ’s läkare (flyttade på 1930 -talet men överlever fortfarande) och Villa Madama, en påkostad reträtt för kardinal Giulio de ’ Medici, senare påven Clement VII (vänster oavslutad).

Dessutom 1515 utsågs Raphael till prefekt för antikviteter i Rom, och i detta sammanhang skrev han ett brev till påven Leo som föreslog sätt att minska förstörelsen av fornminnen och föreslå en visuell undersökning av staden för att registrera alla antikviteter i en organiserad sätt. För detta ändamål var Raphaels avsikt att beskriva och illustrera det antika Rom med det yttersta målet att göra en arkeologisk karta över den antika staden men detta utfördes aldrig på grund av hans tidiga död.

Raphael arbetade också i andra målningsföretag, beställda för privata kunder. En av dem som envis anställde Raphael var Agostino Chigi, den enormt rika bankiren och påvens kassör. För honom målade Raphael den berömda scenen av Galatea och designade andra dekorativa fresker för sin Villa Farnesina, och även fresker för kyrkan av Santa Maria della Pace, mosaik i familjens begravningskapell (Chigi -kapellet) i Santa Maria del Popolooch några dekorativa element i Villa Madama. Dessa verk på villorna Farnesina och Madama utfördes mestadels av hans verkstad.

Galatea, fresco, av Raphael, 1511, 295 x 225 cm (Villa Farnesina, Rom). Den Siena -bankiren Agostino Chigi gav de mest kända artisterna i tiden, Baldassare Peruzzi, Sebastiano Luciani (senare kallad Sebastiano del Piombo) och Raphael att dekorera sin påkostade villa i Rom (nu känd som “La Farnesina“). Alla tre konstnärer målade fresker baserade på klassisk mytologi. Som ämne valde Raphael en vers ur en dikt av den florentinska Angelo Poliziano som också hade bidragit till att inspirera Botticelli ’s ‘Födelse av Venus ’. I Raphaels scen tycks varje figur motsvara någon annan figur, varje rörelse för att svara på en motrörelse, komplettera varandra. Till exempel de små Amor med pilbågar och pilar som siktar på hjärtat av Galatea: inte bara de som höger och vänster ekar varandras rörelser, utan amor som simmar bredvid vagnen motsvarar den som flyger högst upp på bild. Vi kan se samma korrespondens i gruppen sjögudar som verkar vara ‘wheeling ’ runt nymfen. Det finns två på marginalerna, som blåser på sina snäckskal och två par framför och bakom, som är i en omfamning. Men det som är mer beundransvärt är att alla dessa olika rörelser på något sätt reflekteras och tas upp i Galatea -figuren själv. Hennes slöja blåser bakåt medan hon vänder sig om och ler. Alla rader i bilden, från kärleksgudarna ’-pilarna till tyglarna som hon håller i, konvergerar på hennes ansikte mitt i bilden. Med dessa konstnärliga medel har Raphael uppnått konstant rörelse genom hela målningen, utan att låta den bli rastlös eller obalanserad. Det är för denna högsta behärskning att arrangera sina figurer, denna fulländade färdighet i komposition, som konstnärer har beundrat Raphael sedan dess: den perfekta och harmoniska kompositionen av fritt rörliga figurer. Dekorativa fresker av Loggia di Psiche i Villa Farnesina, av Raphael och verkstad, 1517-1518 (Rom). År 1517 gav Agostino Chigi uppdraget till Raphael att dekorera bottenvåningens loggia ’s tak i sin villa där konstnären hade målat Galatea några år tidigare. Freskcykeln representerar historien om Psyche. Även om de förberedande ritningarna och den allmänna uppfattningen av berättelserna var av Raphael, målningen utfördes av hans elever, särskilt Giovanni da Udine (som målade ramarnas rika växt- och fruktkransar) i samarbete med Giulio Romano, Raffaellino del Colle och Gianfrancesco Penni. För sin dekorativa design behandlade Raphael loggia rymden som en öppen pergola. Han utvecklade sin struktur av de befintliga väggindelningarna och täckte dem med magnifika, skenande fruktkransar. Han ritade de två stora takbilderna som simulerar gobelänger som sträcks över taket. Dessa enorma markiser målades så genialt att vi kan se remmarna som håller dem på plats och de skalade kanterna de skapar genom att sträcka ut materialet. Dessa simulerade gobelänger skildrar två scener: gudarna som bestämmer sig för att utsätta Psyche för olika tester, och Psyche håller en magnifik bankett för att fira hennes acceptans i de odödligas krets.
Skapandet av världen, Dome of the Chigi Chapel, fresco and mosaics, designad av Raphael, 1513-1515 (Chigi Chapel, Basilica of Santa Maria del Popolo, Rom). I mitten av kupolen övervakar en imponerande gestalt av Gud Fadern allt och verkar sväva ovanför kapellet i en djärvt illusionistisk pose och omgiven av putti. Dekorationen av kupolen gjordes mestadels i mosaik, med personifieringar av planeterna varvat med rikt förgylld stuckaturornament. Dessa åtta mosaikpaneler visar solen, månen, stjärnhimlen och de sex kända planeterna som hedniska gudar avbildade i halv längd, var och en åtföljd av en ängel med färgglada fjädrade vingar och av deras motsvarande tecken på zodiaken. Mosaikerna avrättades efter Raphaels tecknade serier av en venetiansk hantverkare, Luigi da Pace 1516. Själva Chigi -kapellet designades av Raphael för sin vän och beskyddare, bankiren Agostino Chigi som ett privat kapell och familjegravplats. Sibylerna, fresk, av Raphael, ca. 1514, bredd vid basen 615 cm (Church of Santa Maria della Pace, Rom). Detta var ytterligare en kommission av bankiren Agostino Chigi. Freskot ligger i kapellet till vänster om apsis av Santa Maria della Pace. Raphael målade Sibylerna sittande ovanför bågen som leder till det andra privata kapellet i Chigi. Kropparnas svängningsrörelser påminner om de av The Virtues in the Stanza della Segnatura. Den medföljande fresken med profeterna (Habakkuk, Jonah, David och Daniel) tillskrivs i allmänhet en av Raphaels medarbetare (kanske Timoteo Viti) som måste ha baserat dem på en originalritning av Raphael. Sibylerna (från vänster till höger: Cumaean, Persian, Phrygian och Tiburtine) tillskrivs Raphael. Var och en av figurerna åtföljs av en ängel som anger den gudomliga ande som finns i deras profetior. Mellan sibylerna på toppen av bågen är en liten ängel som håller en tänd fackla, symbolen för profetia, som upplyser framtidens mörker.

För påven, förutom arbetet med Stanze och den arkitektoniska utformningen av de nya St. Peter ’s, Raphael anförtroddes en viktig uppgift att producera enorma gobelänger med scener av livet för St. Paul och St. Peter för Sixtinska kapellet. Raphael prepared a series of 10 cartoons, of which seven survive, known today as the Raphael Cartoons (now in the Victoria and Albert Museum in London). These cartoons were sent to Brussels to be woven in the workshop of Pier van Aelst and were probably completed in 1520. Also for the Vatican, he designed and painted the Vatican Loggias, a long gallery that in those times was opened to a courtyard on one side. Raphael’s decorative design for these corridors included a revival of the Roman-style grotesque that had been recently re-discovered while unearthing the ruins of Nero’s Domus Aurea.

De Loggetta of Cardinal Bibbiena, fresco, mainly by Giovanni da Udine and Raphael’s workshop following Raphael’s designs, 1516-1517 (Palazzi Pontifici, Vatican City). Raphael’s pupils and collaborators affirmed their interest in classical antiquity and its contemporary interpretation in the decoration of the Loggetta, a small porch adjacent to the bath room, of Cardinal Bibbiena. The decorative program consisted of grotesque figures and of scenes from the Apollo myth. Only two of the three original paintings have been preserved. Architectural structures, animals, winged cherubs and false niches containing reproductions of statues, similar to those which appear in Roman wall paintings, accompany the scenes. This renovated interest in ancient Rome wall decoration came from the recently re-discovered ruins of the Domus Aurea, the vast palace of Emperor Nero.

Loggia of Pope Leo X (second floor), Raphael workshop after a design by Raphael, 1518-1519 (Palazzi Pontifici, Vatican City). The loggias in the Vatican are one of Raphael’s few architectural projects that have been preserved. Julius II had commissioned them from Bramante in about 1512. After Bramante’s death in 1514, Raphael completed the loggia on the first floor. He alone was responsible for the decorations on the second floor. This loggia became famous for the grandiose cycle of frescoes illustrating 52 scenes from the Creation of the World to the Last Supper, popularly referred as the “Raphael Bible” (the counterparts to Michelangelo’s frescoes on the Sistine’s ceiling) which Raphael’s workshop, among them Giulio Romano, Gianfrancesco Penni, Vincenzo Tamagni, Perin del Vaga and Polidoro da Caravaggio, executed. The Gallery was planned by Raphael, who also designed a decorative cycle of grotesques and stucco reliefs. The latter were executed according to the ancient technique studied during the excavation of the recently re-discovered Domus Aurea. The Bible Stories occupied Raphael’s workshop from 1518 to 1519. The Biblical episodes were painted in the ceiling vaults, within differently shaped frames. Together they form a swarm of figures, isolated and in groups, arranged in an extraordinary variety of compositions and poses.

Going back to Raphael’s pictorial production, he not only repeated ancient themes of Christianity’s iconographical repertoire but interpreted them with a very personal character. As a celebrated example, we can mention under this category the old motif of the Vision of the Almighty (också känd som Vision of Ezequiel): the Almighty appearing to Ezekiel accompanied by the Tetramorph and two angels. The angels were usually portrayed carrying prayers, but Raphael depicted them holding the Almighty’s arms. Although this is an ancient “iconographic formula” that was stereotypically painted and sculpted thousands of times in Byzantine and Romanesque art, in Raphael’s interpretation it resurfaced totally rejuvenated by creating a strange atmosphere which had nothing to do with the actual laws of perspective. Vasari, who saw this small painting which only measures 41 x 30 cm, noted: “No less rare and beautiful in its smallness than the other things in its greatness”.

The Vision of Ezekiel, oil on wood, by Raphael, 1517-1518, 41 x 30 cm (Palazzo Pitti, Florence). The scene is taken from an episode in the Book of Ezekiel. In the center is the Holy Father, arms lifted in blessing, held up by two angels, an eagle, an ox and a lion, the symbols of the evangelists, John, Luke, and Mark, while Matthew is depicted as the angel enrobed in a pale blue-purplish robe. A corolla of angelic heads fills the luminous opening in the sky, and are painted in monochrome or simply engraved in the primer, creating a vibrant sense of movement. Below, under the band of clouds, is a broad landscape of land and sea that flows into the distance, amid flashes of bright light and shadow. To the left, a ray of light falls onto the two small silhouettes, beside a horse, one of which is usually identified as the prophet Ezekiel.

Between the important altarpieces Raphael executed we can mention St. Cecilia och den Sistine Madonna. His last work, on which he was working at the time of his death, was a large Transfiguration, which together with Lo Spasimo shows the direction his art was taking in his final years: even more directed towards a proto-Baroque than Mannerist.

Madonna della Seggiola (Sedia, Madonna of the “chair”), oil on wood, by Raphael, 1514, 71 cm diameter (Palazzo Pitti, Florence). This celebrated painting, Raphael’s most humanistic form of the Madonna, shows influences of the Venetian school, of Titian and of Sebastiano del Piombo, and was painted during the artist’s Roman period. The form of a “tondo” is a reminder of the style of Florence and takes us back to the taste of the Quattrocento. Adapting masterfully to the shape of the tondo, Raphael cleverly adapts the figures and composition to the outline of the panel. And yet the composition doesn’t look forced, but on the contrary, the figures follow the curve and become more closely entwined together. The grouping, the closing around the tondo coincides with the center of affection, the little Christ, the spiritual center of the picture. The color, in spite of its vividness, has a fusion and a warmth which Raphael attains with genial and personal mastery. Raphael dressed the Madonna in the Italian clothing of the time. The chair dictates the outer limits of the composition and is the reason of the painting’s name. It is still unknown who commissioned the painting. The Sistine Madonna, oil on canvas, by Raphael, 1513-1514, 270 x 201 cm (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden). One of the last Madonnas painted by Raphael, this canvas with the Virgin, Child and Saints Sixtus and Barbara is characterized by an imaginary space created by the figures themselves. The figures stand on a bed of clouds, framed by heavy curtains which open to either side and stand before dozens of obscured putti i bakgrunden. The Virgin actually appears to descend from a heavenly space. The gesture of St. Sixtus’ right hand and the glance of St. Barbara seem to be directed toward the faithful, whom we imagine beyond the balustrade at the bottom of the painting. The Papal tiara, which rests on top of this balustrade, acts as a bridge between the real and pictorial space. The painting was probably intended to decorate the tomb of Julius II, for the holy pope Sixtus was the patron saint of the Della Rovere family and St. Barbara and the two winged ‘putti’ (at the bottom) symbolize the funeral ceremony. Originally, the painting was located in the convent of St. Sixtus in Piacenza. This particular Madonna by Raphael has been reproduced over and over again, and almost everyone is familiar with the putti leaning on the balustrade. Heavily marketed, their images have been featured in stamps, postcards, T-shirts, socks, and wrapping paper. St. Cecilia, oil transferred from panel to canvas, by Raphael, 1514, 220 x 136 cm (Pinacoteca Nazionale, Bologna). This painting was executed for the Church of San Giovanni in Monte in Bologna and commissioned by Elena Duglioli dall’Olio. She was famous for having visions and ecstatic fits in which music played a great part, which is probably why she asked for a picture of St. Cecilia, the patron saint of music. Raphael decided on a painting in the style of a Sacra Conversazione, with St. Cecilia in the center surrounded by saints. The glorification of purity is the central idea behind this painting. This is expressed by the figures seen on both sides of the principal figure: St. John the Evangelist is the patron saint of the church, and St. Paul symbolizes innocence, while St. Augustine and St. Mary Magdalene (both to the right) stand for purity regained through atonement after sinful aberration. The four saints who surround the protagonist form a niche which is strengthened by the poses and gestures of the figures (the glances of the Evangelist and St Augustine cross, St Paul’s is lowered and the Magdalene turns hers toward the spectator). Only St. Cecilia raises her face toward the sky, where a chorus of angels appears through a hole in the clouds. The painting further celebrates the theme of chastity: St. Cecilia’s simple belt is a traditional Renaissance symbol for chastity. The broken instruments at Cecilia’s feet seem to refer to the abandonment of earthly pleasures that resulted from Cecilia’s devotion to the sacred. According to Giorgio Vasari the musical instruments spread at Cecilia’s feet were not painted by Raphael but by his student, Giovanni da Udine.

So that was how, in the last years of his life, Raphael tried to excel himself and to work in a style that wasn’t his own, sometimes imitating Michelangelo. This is noted in the famous altarpieces we just mentioned before: Lo Spasimo, from the Prado Museum, and to some extent in the Transfiguration, the painting Raphael was working on when he died, and that was placed in his burial chamber. Yet how much inspiration Raphael displayed in this panel! At the top, Christ appears radiant among the clouds, with Moses and Elijah, Peter and John, the only ones who witnessed the scene. Below, the other disciples guess that something extraordinary is happening they are agitated, they look at each other, and they wonder about the cause of their confusion. A possessed man regains his senses at that precise moment his mother, a robust Roman matron, points out the miracle to everyone present.

Christ Falling on the Way to Calvary (also known as Lo Spasimo), oil on panel transferred to canvas, by Raphael, 1516-1517, 318 x 229 cm (Museo del Prado, Madrid). The painting was executed for the church of Santa Maria dello Spasimo in Palermo, partly by the school of Raphael. In fact, this church was dedicated to the grief and agony (‘spasimo‘) of the Virgin when she witnessed the sufferings of Christ, which is the true subject of Raphael’s altarpiece: the mutual gaze of Christ, stumbling beneath the weight of the Cross, and his distraught mother, who reaches out her arms in vain. The background resembles a stage set with distant groups of people and crosses. Simon of Cyrene lifts Christ’s cross momentarily and looks sternly at the guards. The four Marys are depicted on the right side of the painting and towering on either side of the composition are the guards. Transfiguration, oil on wood, by Raphael, 1518-1520, 405 x 278 cm (Pinacoteca Vaticana, Vatican City). Cardinal Giulio de’ Medici, later Pope Clement VII, commissioned the Transfiguration in 1517 for the French Cathedral of Narbonne. His untimely death prevented Raphael from finishing it. The composition of the Transfiguration is divided into two distinct parts: the Miracle of the Possessed Boy on a lower level and the Transfiguration of Christ on Mount Tabor, in the background. The transfigured Christ floats in an aura of light and clouds above the hill, accompanied by Moses and Elijah. Below, on the ground, are his disciples. Some are dazzled by the light of glory, others are in prayer (left). The gestures of the crowd beholding at the miracle link the two parts together: the raised hands of the crowd converge toward the figure of the rising Christ. In this very grand composition Raphael has summed up all the elements present in the best of contemporary painting, including references to classical antiquity. This painting set the stage (together with Michelangelo’s Doni Tondo) for the coming Mannerism wave. The numerous extant drawings (both by Raphael and pupils) reflect how carefully meditated this composition is.

Rafael died on Good Friday, 1520 (on his birthday, April 6) when he was only 37 years old, and was buried in the Pantheon, the old Roman building now a church.

We leave you with some other of the celebrated portraits painted by Raphael.

Portrait of a Young Man, oil on wood, by Raphael, ca. 1509-1511 or 1513-1514, 59 x 75 cm (whereabouts unknown since 1945, formerly exhibited at the Czartoryski Museum, Kraków, Poland). It is believed that this lost painting is a self-portrait. If so, the painting shows no signs of Raphael’s profession on the contrary, the portrait shows a richly dressed and “confidently poised” young man. The painting was looted by the Germans in 1939 and its whereabouts are unknown. Portrait of Baldassare Castiglione, oil on canvas, by Rapjhael, 1514-1515, 82 x 67 cm (Musée du Louvre, Paris). The Portrait represents Baldassare Castiglione, a literary figure active at the court of Urbino in the early years of the 16th century, and is considered as one of the great portraits of the Renaissance. Here, Raphael was able to depict the affection inherent in the intelligent and calm face of Castiglione, and together with the shaded tonalities of the clothing and the unusually light background indicate his high levels of skill as a painter. Later, Rubens would admire Raphael’s portrait of Castiglione so much that he copied it and subsequently referenced the composition in several of his own self-portraits. The portrait was produced as a result of Raphael’s friendship with Castiglione. Woman with a Veil (La Donna Velata), oil on canvas, by Raphael, 1516, 82 x 60,5 cm (Palazzo Pitti, Florence). The sitter has been traditionally identified with the same subject of “la Fornarina” (see picture below), the woman whom Raphael loved in his last years and whose face reappeared in both his paintings (e.g. in the Sistine Madonna, see picture above) and those of his followers. This figure seems to represent Raphael’s ideal of beauty at this time. The painting shows greater attention to color and to the rendering of skin and clothes in respect to his previous female portraits. The young woman’s face stands out against the dark background and her eyes hold an intense and penetrating look. The silk of her sleeves contrasts with her ivory-like skin, and is closely associated with the thin pleating of the dress, held up by a corset with golden embroidery. As in the portrait of Baldassare Castiglione (see picture above), this portrait radiates a sense of great dignity and restraint. But greys and light-blues dominated the portrait of Castiglione: here the warm tonalities of white and gold take over. Raphael is preparing the wider color range and the more complex composition which will be expressed later in his Portrait of Leo X. Portrait of Andrea Navagero and Agostino Beazzano, oil on canvas, by Raphael, ca. 1516, 77 x 111 cm (Galleria Doria Pamphilj, Rome). This austere double portrait of great stylistic restraint, is set against a green background in which the two figures, perhaps intentionally conceived by the artist in the manner of Roman busts, seem not to communicate with one another. The sitters are most probably identified with Andrea Navagero (1453-1529 a humanist and man of letters, since 1515 librarian of St. Mark’s, who left Rome for Venice) and Agostino Beaziano (born in Treviso around the last decade of the 15th century and died in 1549, a diplomat). The painting was probably executed as a mark of the friendship between the two men. La Fornarina, oil on wood, by Raphael, 1518-1519, 85 x 60 cm (Galleria Nazionale d’Arte Antica, Rome). This famous portrait of a young woman, called La Fornarina, is signed, in Latin, by the artist as “Raphael Vrbinas” (‘Raphael from Urbino’), a signature that appears engraved on the thin ribbon that the girl wears just under her left shoulder. The sitter has been traditionally identified with Margherita Luti, a Sienese woman and Raphael’s love interest, the daughter of a baker from the Roman district of Santa Dorotea, hence her nickname ‘fornarina‘. The painting depicts a nude young woman wearing a thin veil covering her lower abdomen and is seen half covering her left breast. She wears a blue and yellow turban over her dark hair a thicker red cloth covers her legs. The background is formed by a thicket of myrtle, a plant sacred to Venus. Portrait of the Artist with a Friend, oil on canvas, by Raphael, 1518-1520, 90 x 83 cm (Musée du Louvre, Paris). In this double portrait Raphael himself stands behind a man on whose shoulder his hand rests familiarly. He stands calmly behind the unknown man, looking out of the picture with a serious expression. The friend’s gesture is not meant for the onlooker, but seems more directed at Raphael, as if he were showing him something, himself, perhaps, in a mirror. This is Raphael’s last and most impressive self-portrait. Portrait of Leo X, oil on wood, by Raphael, 1518-1520, 154 x 119 cm (Galleria degli Uffizi, Florence). This is one of Raphael’s greatest masterpieces, where he depicted Pope Leo X accompanied by Cardinals Luigi de’ Rossi (right) and Giulio de’ Medici (left, both relatives of the Pope). This group portrait is focused though on the central figure of the Pope, the two Cardinals act as a royal escort. An illuminated prayer book lies open on the table in front of Pope Leo. On the same table rests a finely carved bell. Both objects undoubtedly reveal the exquisite tastes of the Pope who was an active patron of the arts. There is nothing idealized in the slightly puffed head of the near-sighted Pope (which is holding a magnifying glass). The velvets and damasks in their various rich tones add to the atmosphere of pomp and power, though these were troubled times, for at the very period when this portrait was painted Luther had denounced the Pope for the way he raised money selling indulgences for the new St. Peter’s. Leo X had put Raphael himself in charge of this building enterprise after Bramante died in 1514, and thus he also became an architect, designing churches, villas and palaces and studying the ruins of ancient Rome.

Much of Raphael’s energy during his last years was directed toward public activity, or at least toward commissioners who were influential in city life and life within the Papal States (he designed a villa, known as the Villa Madama, for Cardinal Giulio de’ Medici).


Louvre: Raphael – Portrait of Baldassare Castiglione

Only a few months ago, this magnificent portrait of Raphael was still , in the Salon Carré, near the famous Mona Lisa of Vinci, recently been carried away from the admiration of the world by a criminal hand. Side by side, the two paintings radiated an incomparable splendor in this illustrious room, in this Saint of the Saints of Art, which nevertheless contains only masterpieces. At the place vacated by Mona Lisa – and that she will no longer be able to take it back – Balthazar Castiglione throne today, and her delicate smile as a diplomat succeeds to the troubling enigma of the eyes and lips of the Mona Lisa.

To contemplate the impeccable perfection of this portrait, we can guess that Raphael put all his soul into executing it. Castiglione was, in fact, his most dear friend and most reliable adviser. It was to him that the great artist wrote: “I will tell you that to paint a feminine beauty I need to have you with me to choose the most beautiful.”

Castiglione deserved this honor. Nature had adorned him with the most brilliant gifts. His exterior was seductive, his face pleasant, his manners affable and courteous. He loved the arts with passion, understood and encouraged them. Of remarkable knowledge and intelligence, at once a soldier and a scholar, he wielded the sword like a Sforza and the pen like Machiavelli. Just as the latter wrote the Prince’s Book, Castiglione left to the world this immortal monument of the spirit of the Renaissance: the Book of the Courtier. From the courtier he was himself the accomplished type, without baseness as without effort, by the suppleness of his mind and the sincerity of his attachment to his princes. He first waged war in the army of the Duke of Urbino and then served him as a diplomat. Then he went successively to the service of Pope Clement VII and of the Emperor Charles V. Leo X. made him a cardinal. Charles V gave him the title of Bishop of Avila. Soldier, literary, diplomat, bishop, cardinal, Castiglione, with his multiple qualities, realizes the most complete and brilliant personification of the great cultivated lord of the Italian Renaissance.

He was always very attached to Raphael, whom he had known very young, and whose genius he had guessed. Very much in favor with the princes and the papal court, he helped to facilitate his beginnings. It was due to his influence that the young painter received his first orders. Raphael was not ungrateful. Becoming rich and reaching the height of glory, he never ceases to see a benefactor in this patrician who poses only as a friend. He knows, moreover, what science, what a sure taste, what height of mind is concealed under the elegant exterior of the great lord. When he is embarrassed at any point of history or if he hesitates in the composition of a group or ensemble, he appeals to the judgment of Balthazar Castiglione. When Julius II entrusted Raphael with the decoration of his apartments in the Vatican, the rude pontiff decreed the destruction of the previously painted frescoes, some of which were signed by the great names of Perugino and Sodoma. Desolated from this profanation, Raphael opened himself to Castiglione, who encouraged him to resist to the designs of the pope. With this support, the painter presented himself before Julius II, wiped his anger, but succeeded in saving the threatened works. Raphael, in charge of painting allegorical figures in the Chamber of Signature, was little cultivated in spite of his powers of assimilation. He found a guide always ready, a council always authorized by Balthazar Castiglione, and orderly harmony, the unity of conception in the infinite variety of motifs, indicate the important documentary contribution that Castiglione provided to the painter.

Such is portrayed in history, as we see in the portrait of the Louvre. The sharp and penetrating eyes speak of intelligence, the thin lips of finesse Raphael, whose friendship led the brush, was able to embellish the character of an aristocratic distinction. The whole picture is in a gray, attenuated tone, unusual for painters of that period, and which will be found only a century later in another artist of genius, Velazquez. Everything harmonizes admirably in this painting, the garment, the face, the bottom itself, as if the whole bathed in a uniform light, very soft and sifted by a screen.

This manner, of which Raphael himself used very rarely, demonstrates the prodigious flexibility of his art, which was adapted to all genres and was transformed completely according to the subject to be treated, in turn amiable or grandiose, full of sweetness or power, and always equal by genius.

This work is one of the last of Raphael. He painted it in 1517, three years before his death.

After the death of Castiglione, the picture passed to the Duke of Mantua, from which Charles I of England bought it. It is later found in the collection of a Dutch amateur, Van Asselin, from where Rembrandt and Rubens copied it. At the time when Mazarin acquired it, this portrait was estimated at 3,000 francs. At the death of the cardinal-minister, he entered, thanks to Louis XIV, into the national domain. Originally painted on wood, it was transported on canvas.

Height: 0.67 – Width: 0.62 – Half-length figure, natural size.


In His Words

In part, sprezzatura is related to the sort of cool attitude that Rudyard Kipling evokes in the opening of his poem "If": "If you can keep your head when all about you/Are losing theirs." Yet it's also related to the old saw, "If you can fake sincerity, you've got it made" and to the oxymoronic expression, "Act naturally."

So what does sprezzatura have to do with rhetoric and composition? Some might say that it's the writer's ultimate goal: after struggling with a sentence, a paragraph, an essay--revising and editing, again and again--finding, at last, the right words and fashioning those words in precisely the right way.

When that happens, after so much labor, the writing visas effortless. Good writers, like good athletes, make it look easy. That's what being cool is all about. That's sprezzatura.


Porträtt av en ung man

Portrait of a Young Man by Raphael

Portrait of a Young Man is a painting produced by Raphael between 1513 and 1514. The painting was stolen by the Nazis from Poland and thus it was the most important painting missing since World War II as claimed by many historians. The whereabouts of this painting is unknown since 1945.


  • Name: Raffaello Sanzio da Urbino
  • Born: 1483 – Urbino, Marche, Italy
  • Died: 1520 (aged 37) – Rome, Italy
  • Movement: High Renaissance
  • Notable Works
    • The Niccolini-Cowper Madonna
    • Madonna and Child with the Book
    • Solly Madonna
    • Colonna Madonna
    • Conestabile Madonna
    • Madonna del Granduca

    Raffaello Sanzio – Portraits

    Explore the Louvre

    • Paintings
    • “Ruggiero Freeing Angelica” by Jean-Auguste-Dominique Ingres
    • “The Valpinçon Bather” by Jean-Auguste-Dominique Ingres
    • “The Turkish Bath” by Jean-Auguste-Dominique Ingres
    • “Grande Odalisque” by Jean-Auguste-Dominique Ingres
    • “Perseus and Andromeda” by Joachim Wtewael
    • “The Virgin and Child with St. Anne” by Leonardo da Vinci
    • “Louis XIV of France” by Hyacinthe Rigaud
    • “The Massacre at Chios” by Eugène Delacroix
    • “The Battle of San Romano” by Paolo Uccello
    • “Virgin of the Rocks” by Leonardo da Vinci
    • “Psyche Revived by Cupid’s Kiss” by Antonio Canova
    • “Liberty Leading the People” by Eugène Delacroix
    • “The Arcadian Shepherds” by Nicolas Poussin
    • “The Lacemaker” by Johannes Vermeer
    • “The Money Changer and His Wife” by Quentin Matsys
    • “The Fortune Teller” by Caravaggio
    • “Portrait of Baldassare Castiglione” by Raphael
    • “Charles I at the Hunt” by Anthony van Dyck
    • “An Old Man and his Grandson” by Domenico Ghirlandaio
    • “Vulcan Presenting Venus with Arms for Aeneas” by François Boucher
    • “La belle ferronnière” by Leonardo da Vinci
    • “The Death of Marat” by Gioacchino Giuseppe Serangeli after Jacques-Louis David
    • “Oath of the Horatii” by Jacques-Louis David
    • “The Coronation of Napoleon” by Jacques-Louis David
    • “Portrait of the Elector John Frederic the Magnanimous of Saxony” by Lucas Cranach the Elder
    • “Leonidas at Thermopylae” by Jacques-Louis David
    • “Entry of Alexander into Babylon” by Charles Le Brun

    Castiglione: Art of Being a Renaissance Man

    Raphael’s Portrait of Baldassare Castiglione, Musée du Louvre

    Castiglione and The Courtier

    “People demonstrate their courage far more often in little things than in great.”
    – Baldassare Castiglione


    Titta på videon: Raphael, Castiglione, and Machiavelli (Januari 2022).